Imagem da capa do álbum Unknown Pleasures

A capa, que se tornou mundialmente conhecida, representa sinais de rádio captados pelo Radiotelescopio de Arecibo, a primeira estrela de neutrons observada, a pulsar CP 1919. Foi identificada pela primeira vez por Harold D. Craft Jr., no final dos anos 60 e publicada em sua tese de doutorado em 1970 chamada “Observações de rádio dos perfis de pulso e medidas de dispersão de doze pulsares”. São 80 linhas ondulantes e o pulsar de onde foi gravado ficava a poucos quilômetros de onde a banda gravou o disco. Na época não se sabia por que alguns pulsares emitiam radiação em padrões definidos. Mas mais recentemente pudemos determinar que são partículas criadas por descargas elétricas, causadas por ‘relâmpagos’ produzidos no espaço, mas que ainda são um enigma do universo.

Imagem: “The Cambridge Encyclopedia of Astronomy”, de 1977 / por Harold D. Craft Jr.

Foi o guitarrista(e curiosamente também designer gráfico na época) Bernard Summer, que descobriu a imagem publicada no livro “The Cambridge Encyclopedia of Astronomy”, de 1977, e levou-a ao também designer Peter Saville junto com uma outra opção — a de uma também enigmática mão emergindo por trás de uma porta escura, tirada de um livro de fotos de 1970 por Ralph Gibson. Saville então selecionou a imagem do pulsar e inverteu suas cores(a banda não queria isso, mas Saville percebeu que desta forma a capa teria muito mais impacto), de um fundo branco com a imagem em preto, para o famoso fundo preto e imagem em branco e a aplicou na capa do álbum. O mais interessante era que o disco não tinha o nome da banda e muito menos o nome do álbum, e em uma época pré internet, causou muita curiosidade quando lançado.

Peter Saville em seu estúdio / Crédito Flickr

Nascido em 1955 em Manchester, Peter Saville é um dos mais famosos e premiados designers britânicos. Pela gravadora Factory Records, além do Joy Division, criou capas para diversas outras bandas da época, como o Suede, OMD, Pulp, Roxy Music, Peter Gabriel, Ultravox, New Order(que se formou após o fim do Joy Division, depois do suicídio de Ian Curtis, o vocalista) e muitas outras, criando principalmente capas de álbuns. Seu trabalho minimalista foi fonte de inspiração para muitos outros designers, que na época tinham como fonte de referência as capas dos álbuns de seus artistas favoritos.

Peter Saville em seu estúdio / Crédito Flickr

Unknown Pleasures é um álbum que ajudou a moldar não somente um estilo musical ou estético, mas principalmente uma cultura artística e moderna que influencia ainda muitas gerações.

Ah, e sobre Harold D. Craft Jr., o estudante que descobriu a as ondas de rádio, somente muitos anos depois que ele encontrou seu trabalho científico na capa do Unknown Pleasures e comentou: “fui à loja de discos e, filho da mãe, lá estava. Comprei um álbum e um pôster também, sem nenhum motivo específico, exceto que é a minha imagem , e eu devo ter uma cópia dele.”

Peter Saville falando sobre o projeto Unknown Pleasures – crédito: Eric Klotz – Youtube

Imagens: Experimental Jetset

Seus trabalhos são modernos, muitos deles uma mistura do estilo suíço de design, ou “Estilo Internacional”, como também é conhecido(que é baseado no sistema de grids e são bem objetivos, funcionais e estéticos) com elementos modernos que resultam num trabalho de vanguarda, quase que um trabalho artístico.

Tanto que, este estúdio, fundado em 1997 por Marieke Stolk, Erwin Brinkers e Danny van den Dungen, tem trabalhado em projetos para uma ampla variedade de institutos e já expôs seus trabalhos em diversos museus, como o MoMA, o Museu Stedelijk(Holanda) e o Musée des Arts Décoratifs, de Paris, por exemplo.

Imagens: Experimental Jetset

Seu trabalho foi apresentado em exposições coletivas como ‘Graphic Design: Now in Production’ (Walker Art Center, 2011) e ‘Ecstatic Alphabets / Heaps of Language’ (MoMA, 2012). As exposições individuais incluem ‘Kelly 1: 1’ (Casco Projects, Utrecht, 2002), ‘Two or Three Things I Know About Provo’ (W139, Amsterdam, 2011), ‘Word-Things in Time-Space’ (Riot, Ghent, 2016) e ‘Superstructure’ (RMIT Melbourne, 2018).

Em 2007, uma grande seleção de obras da Experimental Jetset foi adquirida pelo Museu de Arte Moderna de Nova York, para inclusão na coleção permanente do MoMA. Outros institutos e arquivos que apresentam material do estúdio incluem a Biblioteca de Arte do MoMA, Museu Stedelijk (Amsterdã), SFMOMA (São Francisco), Instituto de Arte de Chicago (veja também aqui), Museu de Arte Milwaukee, Musée des Arts Décoratifs (Paris), Museum für Gestaltung (Zurique), Centre National des Arts Plastiques (Paris) e Cooper Hewitt (Nova York).

Imagens: Experimental Jetset

Em 2015, a Roma Publications (Amsterdam) lançou uma monografia intitulada ‘Statement and Counter-Statement: Notes on Experimental Jetset’, com ensaios de Linda van Deursen, Mark Owens, Ian Svenonius e Jon Sueda.

Entre 2000 e 2014, Experimental Jetset lecionou na Gerrit Rietveld Academie (Amsterdam). Eles estão atualmente ensinando na ARTEZ Werkplaats Typografie (Arnhem).

Eentrevista do Experimental Jetset ao Design Indaba no Youtube.

Créditos & Para saber mais:

Imagens & Conteúdo: Experimental Jetset – website

Vídeo: Design Indaba – YouTube

Foto: Braden Kowitz – Flickr

Manual de uso? Que nada. Os produtos criados por Rams são auto explicáveis, seus botões e mostradores convidam em vez de exigirem ajustes e suas cores e texturas atendem suavemente a esses fins. Tudo é criado e pensado para que o usuário possa automaticamente entender seu funcionamento. Cada refinamento encontra maneiras mais eficazes de usar processos industriais e otimizar o material.

Disciplina é a palavra-chave, algo que Rams usa para expressar a restrição que um designer deve exercer para “omitir o que não é importante” e retornar à simplicidade, eliminando o ego do designer. Desta forma ele cria produtos duráveis, de alta qualidade, exatamente o oposto da sociedade consumista onde nada é durável e tudo é descartável. Quem disse que sustentabilidade, estética e consumo consciente não podem estar juntos?

Foto: Braden Kowitz – Flickr

Vivemos em uma luta contra o excesso, o desperdício, a poluição e a destruição do meio ambiente. Desde que se aposentou, Rams continuou a defender esses valores vigorosamente em ensaios, entrevistas e exposições, reafirmando que o design deve servir e não dominar as pessoas, e que deve nos ajudar a nos sentirmos confortáveis ​​com menos coisas. O design também deve também orientar o pensamento ético.

Dieter Rams sabe que precisamos criar objetos úteis e agradáveis ​​a serviço das pessoas e do planeta. Ele elaborou uma lista com os 10 princípios do bom design(veja abaixo) onde escreveu que a qualidade estética de um produto é um aspecto integrante de sua utilidade, pois os aparelhos que usamos diariamente têm impacto em nosso ambiente pessoal e influenciam nossa sensação de bem-estar e que uma coisa só pode ser bela se for bem feita.

Foto: Marcin Wichary – Flickr

Os 10 princípios do bom design, segundo Dieter Rams

No final dos anos 70, Dieter Rams estava cada vez mais preocupado com o estado do mundo ao seu redor: “Uma confusão impenetrável de formas, cores e ruídos”. Ciente de também contribuia significativamente para isso, ele se perguntou: meu design é um bom design? Sua resposta é expressa em seus dez princípios para um bom design.

1. Bom design é inovador

As possibilidades de inovação não estão, de forma alguma, esgotadas. O desenvolvimento tecnológico está sempre oferecendo novas oportunidades de design inovador. Mas o design inovador sempre se desenvolve em conjunto com a tecnologia inovadora e nunca pode ser um fim em si mesmo.

2. Um bom design torna um produto útil

Um produto é comprado para ser usado. Deve satisfazer certos critérios, não só funcionais, mas também psicológicos e estéticos. Um bom design enfatiza a utilidade de um produto, ao mesmo tempo que desconsidera qualquer coisa que possa prejudicá-lo.

3. Bom design é estético

A qualidade estética de um produto é fundamental para sua utilidade, porque os produtos que usamos todos os dias afetam nossa pessoa e nosso bem-estar. Mas apenas objetos bem executados podem ser bonitos.

4. Um bom design torna um produto compreensível

Ele esclarece a estrutura do produto. Melhor ainda, pode fazer o produto falar. Na melhor das hipóteses, é autoexplicativo.

5. Um bom design é discreto

Os produtos que cumprem um propósito são como ferramentas. Não são objetos decorativos nem obras de arte. Seu design deve, portanto, ser neutro e restrito, para deixar espaço para a autoexpressão do usuário.

Foto: Braden Kowitz – Flickr

6. Bom design é honesto

Não torna um produto mais inovador, poderoso ou valioso do que realmente é. Não tenta manipular o consumidor com promessas que não podem ser cumpridas.

7. Bom design é duradouro

Evita estar na moda e, portanto, nunca parece antiquado. Ao contrário do design moderno, dura muitos anos – mesmo na sociedade descartável de hoje.

8. Um bom design é minucioso até o último detalhe

Nada deve ser arbitrário ou deixado ao acaso. O cuidado e a precisão no processo de design mostram respeito para com o usuário.

9. Um bom design é amigo do ambiente

O design dá uma importante contribuição para a preservação do meio ambiente. Ele conserva recursos e minimiza a poluição física e visual durante todo o ciclo de vida do produto.

10. Bom design é o mínimo possível

Menos, mas melhor – porque se concentra nos aspectos essenciais, e os produtos não são sobrecarregados com o não-essencial. De volta à pureza, de volta à simplicidade.

Foto: Braden Kowitz – Flickr

Fontes e Referências
Vitsoe(10 princípios do bom design)

Foto principal: Wikimedia Commons
Fotos (geral): Braden Kowitz, Marcin Wichary – Flickr

Imagem: Design Museum

Outro projeto que teve um grande destaque foi o coletivo Lastesis, que venceu na categoria digital. Foi um outro projeto, ou protesto, no caso, cujas imagens e vídeos se espalharam pelo mundo para denunciar a violência sexual contra mulheres. A iniciativa começou no Chile em 2019 e, posteriormente, foi replicada em vários idiomas em todo o mundo.

Vídeo de “A Rapist in Your Way (‘Un violador en tu camino’)”

Na categoria produtos, o vencedor foi o “Impossible Burger 2.0”, da empresa Beyond Meat. A ideia de que sem carne, produtos alimentícios neutros em carbono podem carregar a mesma linguagem semântica na forma de representação visual e do produto através do sabor, toque, tato e densidade realmente parece um passo à frente em uma forma muito mais consciente de consumo alimentar.

Produtos a base de plantas são importantes não somente para a saúde humana, mas também para diminuir o desmatamento para a criação de gado e também para evitar a morte de milhões de animais todos os anos.

Imagem: Beyond Burger divulgação

Em tempos de pandemia e quarentena em todo o planeta, a renderização de SARS-CoV-2 de Alyssa Eckert foi uma das imagens mais onipresentes de 2020 e ganhou o prêmio na categoria “gráficos”.

Imagem: Design Museum

Vencedor da categoria “arquitetura”, o ModSkool by Social Design Collaborative é uma estrutura para uma escola de fácil instalação e desmontagem, criada para responder às expulsões forçadas de comunidades agrícolas nas várzeas do rio Yamuna, na Índia. ‘Uma peça elegante de design abordando uma situação crítica real e fornecendo um bem social genuíno’, foi o comentário de Edwin Heathcote, crítico de arquitetura e design do Financial Times e membro do júri Beazley.

Imagem: Design Museum

E por último, mas não menos importante, a bolsa Telfar foi a vencedora na categoria “fashion”. O produto já havia sido apelidado de ‘o acessório da década’, e este prêmio na categoria de moda consolidou sua importância no mundo do design de moda em 2020. Os fabricantes dessa bolsa, feita com couro vegano e gênero neutro foram escolhidos por sua capacidade de “redefinir a relação entre eles e seus clientes.

Veja abaixo a lista geral dos vencedores de 2020:

VENCEDOR GERAL – Teeter-Totter Wall desenhado por Ronald Rael e Virginia San Fratello com Colectivo Chopeke

ARQUITETURA – ModSkool projetado por Social Design Collaborative

DIGITAL – Um estuprador em seu caminho (Un Violador en tu Camino) desenhado por Colectivo LASTESIS

FASHION – Bolsa Telfar desenhada por TELFAR

GRÁFICOS – Renderização 3D de SARS-CoV-2 projetado por Alissa Eckert e Dan Higgins (Centro de Controle de Doenças)

PRODUTO – Impossible Burger 2.0 desenhado por Impossible Foods

TRANSPORTE – Teeter-Totter Wall projetado por Ronald Rael e Virginia San Fratello com Colectivo Chopeke

Créditos:

Fontes:
Design Museum
Revista Wallpaper

Imagens e videos:
Teeter-Totter Wall: https://designmuseum.org/exhibitions/beazley-designs-of-the-year/transport/teeter-totter-wall
Forecast: https://forecastpublicart.org/teeter-totter-wall-play-as-resistance/
https://www.allcadblocks.com/pink-seesaws-that-straddled-us-mexico-border-named-design-of-the-year-2020/

Impossible Burger 2.0: https://designmuseum.org/exhibitions/beazley-designs-of-the-year/product/impossible-burger-20

ModSkool: https://designmuseum.org/exhibitions/beazley-designs-of-the-year/architecture/modskool
Video: https://www.youtube.com/watch?v=bfBARDYy_1U&feature=youtu.be

A Rapist in Your Way (‘Un violador en tu camino’): https://designmuseum.org/exhibitions/beazley-designs-of-the-year/digital/a-rapist-in-your-way-un-violador-en-tu-camino
Video: https://www.youtube.com/watch?v=s5AAscy7qbI&feature=youtu.be

Telfar bag: https://designmuseum.org/exhibitions/beazley-designs-of-the-year/fashion/telfar-bag

3D rendering of SARS-CoV-2: https://designmuseum.org/exhibitions/beazley-designs-of-the-year/graphics/3d-rendering-of-sars-cov-2